El arte detrás de big hero 6

Big Hero 6 es una película animada de superhéroes producida por Walt Disney Animation Studios basada en el cómic Big Hero 6 de Marvel Comics. La película está dirigida por Don Hall, codirector de Winnie the Pooh, junto a Chris Williams, codirector de Bolt, producida por Roy Conli, productor de Enredados, El jorobado de Notre Dame y El planeta del tesoro. 

Es el clásico animado número 54 de Walt Disney. Big Hero 6 es la primera producción de animación de Disney que cuenta con personajes de Marvel desde la adquisición de Marvel en el 2009. 

El día 22 de febrero de 2015, ganó el premio Oscar al mejor largometraje animado.

Big Hero 6 es una comedia de aventuras plagada de acción protagonizada por Hiro Hamada, un

prodigio de la robótica que aprende a aprovechar todo su genio gracias a su hermano Tadashi y a sus amigos de similares intereses: la adicta a la adrenalina Go Go Tomago, el fanático de la limpieza Wasabi No-Ginger, la genio de la química Honey Lemon y el divertido Fred. Cuando un imprevisto los coloca en el centro de un peligroso complot que se está desarrollando en las calles de San

Fransokyo, Hiro recurre a su compañero más cercano, un robot llamado Baymax, y transforma al

grupo en una banda de héroes de alta tecnología decididos a develar el misterio... y ustedes saben el resto y si no ¡¡que esperan corran a verla!! ya que en este caso mas que en centrarnos en la sinapsis de la historia, nos centraremos en el proceso artístico y creativo que llevaron los animadores de esta película para llevar a cavo tan extraordinario trabajo ya que cave destacar que:

Toda la animación de la ciudad y los lugares donde se desarrolla la historia de Big hero 6, es mucho mayor que lo diseñado para las películas como Tangled, Ralph el Demoledor y Frozen, aun combinadas esas películas, Big Hero 6 tiene un diseño más extenso.Y no es para menos cerca de 90 animadores estuvieron trabajando alrededor de 2 años para lograr una buena calidad de animación

el equipo de animadores de Grandes Héroes superó los 100 miembros (103 para ser exactos), 15 más que en el equipo de Frozen: Una Aventura Congelada.las grandes multitudes de personajes diferentes en las películas de Disney son aún más grandes en Grandes Héroes. En Enredados fueron 80

personajes diferentes en cada multitud, en Ralph, el demoledor 185; en Frozen: Una Aventura Congelada 270, y en Grandes Héroes son ¡¡670 personajes diferentes!!

ese no es el único número impactante. Además, en la escena del puerto de San Fransokyo hay más de 6.000 personas; 23 distritos fueron construidos en 3D; 83.149 de los 150.000 que hay en San

Francisco fueron construidos; 18 millones de construcciones; 215.000 luces de la ciudad y 260.000 árboles.

¡¡Esos son muchos dibujos !! te imaginas la cantidad de bocetos, diseños de personaje y conceptos de arte de personajes y escenarios que se tuvieron que hacer solo para llegar a una idea preliminar antes de digital izar y diseñar en tercera dimensión, esto es simplemente alucinante ha si que sin mas preámbulos esto es un poco de el arte detrás de big hero 6:

Sónar, el arte global del futuro

Para muchos, las artes escénicas (música, teatro, cine) siguen un camino diferente al de las artes plásticas. Son otra cosa, que no tiene puntos de conexión. El festival Sónar de Barcelona se empeña desde hace dos décadas en demostrar lo contrario. Creado en 1994, Sónar es ante todo un festival de música electrónica, pero a la vez un esfuerzo por conectar la música, la escenografía, el happening, la instalación y la luminotecnia en un todo global que no puede ser sino arte con mayúscula, arte integral en una palabra.

La música electrónica, la columna vertebral del festival (que celebra este año su 21ª edición), nació con voluntad de integrarse en un concepto más amplio de la creación. Por eso ha tenido siempre empeño (pensemos en Kraftwerk) en aunar lo visual con lo sonoro, en usar ambos para hacer una llamada a la reflexión sobre los dilemas de lo contemporáneo y las formas de ser y estar hoy en el mundo. Y todo ello a través de las nuevas tecnologías, que ningún artista que se precie puede ignorar en la actualidad.

El festival que recala ahora en Barcelona tiene eco múltiple en muchas otras ciudades. Ha visitado Reykjavik, Buenos Aires, Nueva York, Londres, Frankfurt, Seúl, Lisboa, Lyon, Hamburgo, Toronto, Montreal, Chicago, Boston, Denver, Oakland, Los Ángeles, Tokio y Osaka. Este año presenta nuevos shows audiovisuales: Plastikman (Objekt), Massive Atack y Audion, entre otros. Estos nombres están asociados no solo a la creación musical, sino a la puesta en escena de espectáculos audiovisuales.

En su última edición, la pieza más espectacular del mosaico la puso Kraftwerk, el cuarteto que actuó con un show en 3-D igual que con anterioridad había hecho en el MoMA de Nueva York. Plastikman también ha actuado en museos, en su caso en el Guggenheim de la Gran Manzana.

Si se me permite el anacronismo, me gustaría recordar que Farinelli, el cantante castrato que triunfaba en la corte de Felipe V, primero, y Fernando VI y Bárbara de Braganza, después, era no solo cantante e intérprete musical, sino escenógrafo y gran maestro de ceremonias de la corte del rey pacífico, en los años centrales del siglo XVIII. 

De Farinelli se conserva un impresionante manuscrito ilustrado en la Biblioteca del Palacio Real en la que este todo terreno de la creatividad diseña, dirige, organiza y explica sus montajes operísticos a la pareja real.

Al hablar de Sónar no puedo evitar pensar en este precedente del concepto de la música como hilo conductor del arte por el arte, pues se trata de un festival que no separa lo visual de lo musical, como tampoco lo hacen algunos de los creadores de los más impactantes vídeos artísticos del momento, y permítaseme citar aquí a Bill Viola, un autor que usando las nuevas tecnologías hace arte puro fundiendo cine, teatro, pintura clásica y música al mismo tiempo.

No quiero terminar sin añadir dos notas: la primera, que en el Sónar que se avecina hay una novedad destacable: lo que los organizadores llaman  “Sónar^+D, un congreso internacional sobre creatividad y tecnología destinado a potenciar el talento en el entorno de la cultura digital; la segunda, el Sonarcinema (http://sonar.es/es/2014/prg/ag/), que confirma la vocación del festival de erigirse como modelo del arte global del futuro.

Sargent: Artistas y Amigos - Metropolitan Museum

La exposición 'Sargent: Retratos de Artistas y Amigos', organizada por el Metropolitan Museum de Nueva York, reune 90 retratos, incluyendo préstamos de colecciones privadas. Del 30 de junio al 4 de octubre de 2015.

 

"Sargent: Retratos de artistas y amigos" desafía la visión convencional de que Sargent fue esencialmente un retratista de la alta sociedad. De hecho, las afiliaciones de Sargent lo colocan a la vanguardia de los movimientos contemporáneos en las artes, la música, la literatura y el teatro. Los individuos pintados por Sargent representan una gama de figuras destacadas en las artes creativas de la época, incluyendo artistas como Claude Monet y Auguste Rodin; escritores como Robert Louis Stevenson, Henry James, y Judith Gautier; y la actriz Ellen Terry. La exposición también incluye socios menos conocidos, como los pintores Jane y Wilfrid de Glehn, que acompañaron a Sargent en sus expediciones por Europa, y Ambrogio Raffele, un pintor y un modelo frecuente en los estudios de los Alpes del artista.

John Singer Sargent
Claude Monet pintando en el borde de un bosque, 1885

John Singer Sargent
Grupo con sombrillas (Siesta), 1904

La exposición también explora las relaciones de Sargent con mecenas y coleccionistas influyentes. Su duradera amistad con el esteta Dr. Pozzi, con el artista que se convirtió en industrial Charles Deering, el escritor Édouard Pailleron y su familia, y la coleccionista Isabella Stewart Gardner de Boston conectaron al pintor con el mundo internacional del arte de vanguardia. Sargent conspiró con estos sofisticados clientes para crear obras innovadoras y únicas. "Sargent: Retratos de artistas y amigos" ofrece una oportunidad excepcional de ver el retrato maravillosamente excéntrico de Gardner -obra que rara vez ha dejado el Museo Gardner- en el contexto de las relaciones de Sargent con otros amigos de Boston.

Un punto culminante de la propia colección del Metropolitan -el emblemático "Madame X (Madame Pierre Gautreau)" - se muestra entre la mayoría de los retratos de la vanguardia parisina de Sargent. La exposición también cuenta con otras pinturas clave de la colección Sargent del Metropolitan, que es una de las mejores del mundo. El talento excepcional de Sargent como dibujante y acuarelista se exhibe a través de una instalación única de cerca de 20 obras en papel. La mayoría de ellas fueron entregadas al Metropolitan por la señora Francis Ormond, la hermana de Sargent.

La exposición reúne pinturas que rara vez o nunca se han mostrado juntas. Los dos retratos de Sargent del enigmático Robert Louis Stevenson se incluyen en la muestra. Claude Monet está representado por un retrato de busto y una llamativa composición 'au plein-air' que le muestra pintando en exteriores. La gran actriz shakesperiana Ellen Terry aparece en dos obras. Además, se reúnen tres retratos de Sargent de la familia Pailleron.

La exposición está organizada cronológicamente de acuerdo a la secuencia de los lugares donde Sargent trabajó y formó relaciones artísticas durante su carrera cosmopolita: París, Londres, el campo inglés; los Estados Unidos, especialmente Boston y Nueva York; Italia; los Alpes; y otros lugares de Europa.

Si quieres saber mas

http://www.descubrirelarte.es/2015/04/20/sargent-retratos-de-amigos-y-artistas.html

Arte callejero italiano decora las fachadas de grandes ciudades en el mundo

Algunos artistas no se quedan en medias tintas: este es el caso de Millo, un artista callejero italiano que pinta fachadas de edificios con motivos monocromáticos, donde representa  personajes que se mueven en entornos urbanos densos. A menudo compuesto por grandes bloques de hormigón, logra entrelazar mundos creando un espacio de recreo de sus héroes.

Camillo Francesco Giorgino, su verdadero nombre, ganó el B.Art (Arte en Barriera) en el 2014. Se trata de un concurso convocado por el Ayuntamiento de Turín, Italia, para hacer del entorno urbano, un lugar más atractivo, mediante la creación de obras artísticas. Así pudo decorar 13 fachadas imponentes de la ciudad.

El italiano tuvo la oportunidad de colocar su estilo minimalista en los muros de París, Londres, Florencia, Luxemburgo o incluso de Río de Janeiro. Por otra parte, muchas calles aún están esperando ser redecoradas.

Más fotos aquí.

Artista peruana inaugura muestra inspirada en test psicológico de Rorschach

Cuando Hermann Rorschach publicó su famoso test de manchas un año antes de morir, no habría podido imaginar que su prueba proyectiva de personalidad trascendería más allá de la comunidad de psicoanalistas hasta convertirse en un ícono popular, que inspiró tanto a psicólogos como artistas.

Cynthia Malamud, artista peruana con estudios en psicología, decidió aplicarse a sí misma el test de Rorschach y codificar sus respuestas en una serie de piezas que dieron origen a la muestra RRx, una “radiografía” física y emocional de la artista.

RRx, la muestra de Cynthia Malamud inspirada en el test de Rorschach.

Aunque trabajar con el test de Rorschach es una idea que la persigue desde sus épocas de universitaria en la PUCP, la artista trabajó durante un año para desarrollar las piezas que se exhiben en RRx. Así comenzó a intervenir cada lámina, conforme interpretaba las manchas de la prueba.

“El proyecto se llama RRx. R por Rorschach y Rx por radiografías, y tiene 4 series. La primera serie se llama RRx1 y, en ella, básicamente he bordado sobre un bastidor tensado con tocuyo, hilos y mostacillas”, indicó Cynthia Malamud.

Series RRx 1, 2 y 3 de Cynthia Malamud.

“La serie RRx2 son collages que tienen como soporte un papel de algodón el cual intervine con radiografías personales, hilos, mostacillas, tinta china, papeles distintos, etc. La tercera serie, RRx3, son serigrafías de alguna de las manchas. Y la serie RRx4 es una tela muy grande también serigrafiada e intervenida con hilos, tul y lana”, añadió la artista.

Aunque RRx es una aproximación al mundo interior de Cynthia Malamud, el espectador de la muestra va a poder ver lo que desee, buscar sus respuestas en manchas completamente alteradas a las originales, ya que el test original no está dentro de la exposición.

6 artistas famosos y sus impresionantes estudios

Hemos hecho una selección de los estudios que más nos gustaron pero aquí puedes acceder a la lista de los 100 artistas y sus 100 estudios, realizado por el portal web BoredPanda, quienes están realizando la convocatoria. Quedan 9 días, si quieres colaborar con una foto para este listado ¡puedes enviarlo!

1. Frida Kahlo

(Magdalena Carmen Frida Kahlo; Coyoacán, México, 1907 - id., 1954) Pintora mexicana. Aunque se movió en el ambiente de los grandes muralistas mexicanos de su tiempo y compartió sus ideales, Frida Kahlo creó una pintura absolutamente personal, ingenua y profundamente metafórica al mismo tiempo, derivada de su exaltada sensibilidad y de varios acontecimientos que marcaron su vida. 

El signo trágico de su existencia, marcada por la lucha contra la enfermedad, había comenzado cuando a los seis años contrajo una poliomielitis que le dejó importantes secuelas. En 1925 sufrió un grave accidente de tráfico que le fracturó la columna vertebral y la pelvis. Además de imposibilitarle tener hijos, el accidente fue la causa de numerosas operaciones futuras y de una salud siempre precaria.

A través de la pintura, que empezó a practicar en los largos meses de inmovilidad tras el accidente, Frida Kahlo reflejaría de forma soberbia la colisión entre su ansia de felicidad y la insistente amenaza de su destrucción, a la vez que conjuraba la dualidad irreductible entre los sueños (de amor, de hijos) y la realidad (dolor e impotencia).

Durante la convalecencia del accidente, sin poder ni siquiera incorporarse, comenzó a pintar tomándose ella misma como modelo principal. Le colocaron un espejo bajo el baldaquino de su cama y un carpintero le fabricó una especie de caballete que le permitía pintar estando acostada. Éste fue el inicio de una larga serie de autorretratos, tema que ocupa el grueso de su producción, de carácter fundamentalmente autobiográfico.

2.  Pablo Picasso

 En el pintor español Pablo Picasso se resumen todos los cambios y las significaciones simbólicas, científicas y sociales del arte pictórico del siglo XX. Es la clave de la pintura y aun en general del arte de nuestra época. Son evidentes sus aportaciones morfológicas, la revolución de las formas en su obra, pero más significativa resulta su relación con la sociedad y la época en que vivió. En el primer aspecto, es la figura representativa del cubismo; en el segundo, una de las cumbres del expresionismo, si bien nunca figurará entre sus grupos y actuará de forma autónoma.

Su evolución estilística y temática dibuja un apasionante itinerario, en el que asombra la diversidad de registros, las múltiples posibilidades que el lenguaje pictórico tiene para retratar a la sociedad o los problemas de una época.

Etapas azul y rosa
Sus primeras etapas corresponden al figurativismo. En la denominada época azul domina un sentimiento patético, expresado con una monocromía, se inclinó decididamente por la monocromía azul para destacar la melodía de las líneas en un muestrario de personajes dolientes. La época rosa, combina poco a poco los tonos más amables para plasmar el mundo del circo con sus juglares y saltimbanquis.
El cubismo
La influencia del arte africano y la herencia del arte ibérico llevaron a Picasso a ensayar esta nueva anatomía llena de presagios terribles, como si buceara en niveles todavía no explorados de la realidad humana. Era el manifiesto del cubismo, corriente que ocuparía la actividad del pintor durante una decena de años, aunque sus conquistas geométricas reaparecerían en toda la producción posterior.
Clasicismo, surrealismo, expresionismo  
Inicia la etapa denominada clasicista, caracterizada por la representación del movimiento en los decorados para los ballets rusos de Diaghilev. Y el surrealismo expresa las vivencias de miedo o inseguridad hacia el futuro inicia las deformaciones y el espresionismo un símbolo, en el que se renuncia al color y se reduce la gama cromática a una especie de grisalla.

3.Salvador Dalí

Si bien parte del inmenso prestigio y popularidad de que gozó ya en vida se debió a sus estrafalarias e impostadas excentricidades, Salvador Dalí acertó a insuflar nueva vida al surrealismo europeo hasta convertirse en su más conocido representante; sus confusas ideas estéticas (el llamado método paranoico-crítico) fueron mucho menos decisivas que sus impactantes composiciones, a las que trasladó con magistral precisión técnica un personalísimo universo onírico y simbólico, tan nítido y luminoso como profundamente inquietante y perturbador. 

4.David Lynch

Al mostrar ese interés por el cine, la Academia de Bellas Artes de Pensilvania, donde estaba matriculado, subvencionó The grandmother (1970), el primer cortometraje que Lynch exhibió de una forma organizada. Con su estilo aún por cultivar, el director mostraba en ese film a un niño que planta una semilla de la cual crece su abuela. En suma, un recurso metafórico ya explotado por otros artistas, pero que en este caso era planteado con una singular capacidad de sugestión.

5.  Claude Monet

Pintor francés, figura clave del movimiento impresionista. Sus inclinaciones artísticas nacieron del contacto con Boudin en Le Havre, y las excursiones al campo y la playa durante su adolescencia orientaron el posterior desarrollo de su pintura. La pintura rápida como las pochades o études era, en aquella época, del agrado de la sociedad siempre que ésta se circunscribiera al tema del paisaje en pequeño formato.

6. Andy Warhol

Artista plástico estadounidense.Al mismo tiempo pintó lienzos cuya temática se basaba en algún elemento o imagen del entorno cotidiano, de la publicidad o el cómic. Pronto comenzó a exponer en diversas galerías. 
Eliminó progresivamente de sus trabajos cualquier rasgo expresionista hasta reducir la obra a una repetición seriada de un elemento popular procedente de la cultura de masas, el mundo del consumo o los medios de comunicación.
El uso de imágenes de difusión masiva, fácilmente reconocibles por todo tipo de públicos, como las ya mencionadas latas de sopa o los botellines de Coca-Cola, se convierte en uno de los rasgos más interesantes y estables de toda su producción.
 

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